Ein Foto ist nicht fertig, wenn Sie den Auslöser betätigen. Und die Nachbearbeitung dauert sogar länger als die eigentliche Fotografie. Das war schon in den frühen Tagen der Fotografie so, als Retusche manuell während und nach der Verarbeitung des Films in der Dunkelkammer durchgeführt wurde.
Und es gilt noch heute. Sowohl für Schwarz-Weiß- als auch für Farbfotografie. Sie transportieren eine bestimmte Botschaft, indem Sie spezifische Farben zeigen. Kontrast und Sättigung sind genauso wichtig wie die gesamte Farbpalette, die Sie verwenden.
All das ist eine Menge Arbeit. Daher hoffen Fotografen insgeheim auf das Heilmittel, das alle Probleme auf einmal löst: Mein Foto gut (oder besser) aussehen lassen mit einem Mausklick. Preset-Hersteller erzählen uns ständig von der Raketenwissenschaft, die sie in die Entwicklung ihres Stils gesteckt haben und dass man jedes Foto auf einmal perfekt aussehen lassen kann. In der Praxis erweist sich das jedoch als nicht mal zur Hälfte wahr.
Und ich spreche aus Erfahrung. Ich habe mehrere Preset-Pakete gekauft und war immer enttäuscht. Ich erkläre Ihnen warum.
Fotografien unterscheiden sich sehr stark. Draußen an einem hellen sonnigen Tag aufgenommen ist etwas völlig anderes als drinnen in einem Wohnzimmer an einem regnerischen Tag aufgenommen. Die Bandbreite der Farben, die in den Bildern erscheinen, wird einfach unterschiedlich sein.
Und es macht sicherlich auch einen großen Unterschied, welche Art von Bildern Sie haben, wenn Sie ein Preset anwenden. Viele davon haben wunderschöne wilde Landschaften in den beworbenen Demo-Bildern. Aber bei einer klassischen Porträtaufnahme haben Sie überhaupt keine Grüntöne. Die Mehrheit der Farben wird rot und gelb sein, bedingt durch Hautfarben.
Was ich also sagen will: Presets können immer nur als Ausgangspunkt für Ihr Color Grading betrachtet werden. Und wenn sie das sind, warum dann nicht die Dinge von Grund auf neu erarbeiten?
Ihre Fotografien sind zu individuell, um durch ein vorgefertigtes Preset verbessert zu werden. Lernen Sie lieber, Farben zu verstehen.
Einige mögen einwenden, sie hätten Hunderte von Bildern, die sie einem Kunden zeigen müssen. Guter Punkt. Ich mache normalerweise meine Einstellungen in Capture One und kopiere diese Einstellungen dann auf die gesamte Vorauswahl.
Ich habe mich entschieden, Ihnen ein Beispiel zu geben, wie ich Schritt für Schritt mit Farbe arbeite. Das ist nicht die einzige Möglichkeit, es zu tun. Und es muss auch nicht die beste sein. Aber der Prozess funktioniert gut für mich. Überzeugen Sie sich selbst:
Beispiel 1
Ich habe Chiara nur mit dem verfügbaren Licht aus dem Badezimmer fotografiert. Es ist mir durch die warmen Glühbirnen etwas zu gelblich. Also habe ich den Weißabgleich um 200 Grad reduziert. Ich habe die Belichtung leicht angehoben und Kontrast sowie Sättigung hinzugefügt. Da das Handtuch um ihren Kopf ausgebrannt war, habe ich ein bisschen von den Weißtönen mit der High-Dynamic-Range-Einstellung zurückgebracht und auch den Schwarzpunkt leicht angehoben. Das Letzte, was ich tat, war, einen Hauch von Rot in den dunklen Teilen des Bildes hinzuzufügen. Nur ein kleines bisschen, sodass Sie es fühlen, aber nicht wirklich wahrnehmen können. Alle Änderungen sind subtil.
Beispiel 2
Der Tag, an dem ich Sylphsia fotografierte, war der heißeste Tag des Jahres 2019 in Frankfurt. Im Originalbild kann man das nicht wirklich erkennen. Es sieht grünlich aus, so wie die deutsche Natur eben aussieht. Aber ich möchte, dass das Foto zeigt, was ich fühle. Und ich fühlte brutale Hitze. Daher habe ich den Weißabgleich bis auf 9900 K hochgeschoben und im Weißabgleich-Tool selbst habe ich den Farbton auch ein gutes Stück in Richtung Rotskala gezogen. Dann hebe ich Belichtung und Helligkeit an und füge Kontrast sowie Sättigung hinzu. Nun sind die Grüntöne immer noch nicht so, wie ich sie haben möchte. Also habe ich das Farbeditor-Tool verwendet, um die Grüntöne in Richtung eines gelblicheren Tons zu verschieben. Durch Hinzufügen einer kleinen Vignette lasse ich das Model etwas mehr hervorstechen.
Beispiel 3
Hier ist eines mit extremer Beleuchtung. Ich fotografierte Julia in einem kleinen Kino. Mit einer ganzen Reihe von Adaptern konnte ich mein Macbook an den Filmprojektor anschließen. Und ich projizierte das Sublime-Logo auf einen rosa Blüten-Hintergrund (den ich in Portugal fotografiert hatte). Ich verwendete kein anderes Licht als den Filmprojektor und musste daher bei ISO 5.000 fotografieren. Da ich wusste, dass dies groß in meinem Buch gedruckt werden würde (nicht genau dieses Foto, aber ähnliche), habe ich absichtlich unterbelichtet, sodass ich nicht bis auf ISO 10.000 oder so hochgehen musste. In der Nachbearbeitung habe ich Belichtung und Helligkeit angehoben. Dann konzentrierte ich mich auf den Hautton in ihrem Gesicht. Eigentlich nur auf den kleinen Hautstreifen, der ansprechend aussehen sollte. Ich habe die Rotsättigung hinzugefügt und den Weißabgleich geändert, bis ich einen angenehmen Ton gefunden hatte. Dieses Mal habe ich eine umgekehrte Vignette verwendet, um die Ecken tatsächlich etwas mehr aufzuhellen.
Sich zu fragen, was man erreichen möchte und warum, ist meiner Meinung nach das Wichtigste bei der Arbeit mit Farben.
Wenn Sie Presets verwenden, lassen Sie andere entscheiden, wie Ihr Bild aussehen wird. Und das fühlt sich für mich völlig falsch an.
Die Arbeit mit Farben ist eine so wunderbare Sache. Sie können nur davon profitieren, Ihre eigene Denkweise über Farben zu entwickeln und Ihren persönlichen Workflow zu etablieren.